David Lean había aceptado ya la idea de que las fórmulas
espectaculares no estaban necesariamente reñidas con la dignidad
artística, y que podían convertirse de pleno en un excelente vehículo de
generosas ideas sociales, aunque fuese también a través del belicismo,
en los problemas existenciales y morales de los hombres y el momento
histórico en que se hallasen inmersos. Cuando decidió llevar a la Pantalla Grande la novela de Pierre Boulle
optó por envolver a sus personajes como en los anillos de la gran
serpiente del Laoconte, movido nuevamente (tras recuperar el espíritu de
"In Wich We Serve" ("Sange, sudor y lágrimas") de 1942 por una gran necesidad de expresar a través
de la imagen un feroz alegato antimilitarista. Todos los protagonistas
vivirán por tanto abrumados por la presencia audible y visible de la
muerte frente al nudo inmodificable del enfrentamiento bélico, cuyo
círculo de poder se cernirá sobre ellos más y más.
Y aunque en diversas ocasiones algunos de ellos (Shears-William Holden, Clipton-James Donald y Joyce-Geoffrey Horne)
traten de rehuirlo expresando la repulsión antimilitarista que les
desgarra por dentro, todo se reducirá finalmente a un punto inevitable:
el de ser barridos por la incongruencia de la guerra. Sólo el militar
complacido en la mentira a que se acoge frente a la crueldad (inútil por
lo general) de las confrontaciones irracionales de los hombres, se
sentirá señor de un destino propio y honroso (Nicholson-Alec Guinness, Saito-Sessue Hayakawa y Warden-Jack Hawkins) a la hora de morir tanto como a la hora de vivir.
William Holden había triunfado en su caracterización como el cínico, despreocupado y pragmático Sargento J.J. Sefton en la sensacional "Stalag 17" ("Traidor en el infierno"), 1953, de Billy Wilder.
Papel por el que había conseguido el "Oscar al Mejor Actor Principal". Su
retrato de personaje subversivo, incapaz de honrar los principios de
honestidad moral y militar de sus compañeros prisioneros, desligándose
así de los dolorosos conflictos de los campos de concentración y de
mostrarse insolentemente como una especie de soldado desmovilizado y
totalmente desengañado de cualquier experiencia bélica frente a la
opresión alemana en el "Stalag 17" comandado por Oberst von Scherbach-Otto Preminger,
había resultado de una convicción tan contagiosa como arrebatadoramente
ácida, ironizando con la psicología del perdedor que es capaz de
redimirse como un impensable héroe. En efecto, porque Sefton,
acusado de espía y vapuleado con ferocidad por sus camaradas, recoge con
calma el clima de odio que se cierne sobre él, y acaba desenmascarando
hábilmente al verdadero traidor, introducido en el barracón por los
alemanes. 
Spiegel recordaba la fama cimentada por De Mille del actor japonés y no dudó en viajar a Tokyo para contratar a Sessue Hayakawa, considerándolo como el actor más indicado para superar los esquematismos más inclementes del coronel Saito,
jefe del campo de prisioneros, y dotarlo de una contención
interpretativa capaz de debatirse entre la penumbra del deber y de dotar
su crueldad de una perspicaz intuición envuelta de igual modo en la
inescrutable oscuridad de los deberes militares. Deberes siempre
impulsados por el destino desequlibrador de la guerra, al tiempo que se
abren grandes lagunas en la conciencia frente al odio y la admiración,
en el caso que nos ocupa, por su enemigo, el coronel Nicholson. Alec Guinnes y Sessue Hayakawa consiguieron el Oscar de la Academia como "Best Actor" y "Best Suporting Actor"
También exigieron la inclusión de un papel femenino, un breve cameo de enfermera que recayó sobre la actriz, casi desconocida, Ann Sears. Geoffrey Horne, joven actor televisivo que había hecho su debut en la Pantalla Grande junto a Ben Gazzara en la irrelevante "The Strange One", 1957, de Jack Garfein, interpretó convincentemente al lugarteniente Joyce, artificiero inseguro y frustrado. Y James Donald, que había sido nominado al Oscar como "Mejor Actor de Reparto" en la espectacular revisión Minnelliana de la vida de Vincent van Gogh "Lust For Life" ("El loco de pelo rojo"), el año anterior, 1956, dando vida a Theo van Gogh, hermano del infortunado pintor, interpretó al Doctor Clipton. 
David Lean, insatisfecho con la exposición interpretativa que Alec Guinness
concedía al momento crítico de su muerte y caída sobre el detonador que
habría de volar el puente -hasta llegó a tacharla de demasiado
enfática-, obligó al actor a repetirla durante infinidad de veces.
Finalmente, para sorpresa de Guinness, decidió quedarse con la primera de las tomas. La película se rodó en la
isla de Ceilán y su presupuesto ascendió a 3 millones de dólares. El jefe del poblado que ayuda
a los prisioneros era Chakrabandu, quien ayudó en realidad a
varios aviadores
aliados durante la Segunda Guerra Mundial, fingiendo trabajar para
los
japoneses. Un camión de combustible se incendió muy cerca del
puente cuando éste ya se hallaba erigido y con la dinamita ya colocada
en
él. Pudo así haber causado su destrucción sin que se hubiera podido
filmar. 
Los
soldados del ejército singalés arriesgaron su vida para desviar el camión de las proximidades del puente. Los operarios encargados de filmar la demolición del mismo debían dejar
las cámaras filmando y ponerse rápidamente a cubierto, haciendo entonces una
señal para que se pudiese volar el puente, pero uno de ellos tras guarecerse se
olvidó de dar la señal y el equipo de demolición no pudo volarlo, así que el
tren atravesó el puente para descarrilar poco después tras chocar con un
generador. Tuvieron que trabajar a marchas forzadas para volver a poner el tren
en su sitio y en perfecto estado para filmar a la mañana siguiente la
secuencia, esta vez sin fallos. 
Héroes
trágicos (como lo es siempre el heroísmo inútil del belicismo) frente a
la riqueza expresiva y el turbio pintoresquismo que la aplastante
inflexibilidad del honor militar impone a los hombres, y cuya degradante
aventura se corona con el fracaso final a que nos precipita
invariablemente todas y cada una de las tragedias del irracional ciclo
bélico. Magistral y sistemático detonante de estos dramas humanos que
viven atrapados por los universos rarefactos, el tinte turbulento, y el
axiomático determinismo irreconciliable con la razón con el que millones
de hombres quemarán y seguirán quemando inútilmente sus vidas bajo esas
atmósferas densas y cargadas de horror que acarrean las tormentas
incontenibles de las guerras. Y así, de nuevo, esa especie de
dependencia, terrorífica, corrosiva y necrofílica con que el belicismo
se apoya en los pliegues anatematizadores de la conciencia militar,
desgarrando otra vez la que debería ser una perenne estabilidad social,
pacífica y verdaderamente humana, es rememorada como una caricatura de
la incoherencia del drama histórico-bélico, que no ha dejado nunca de
navegar en las revueltas corrientes historicidas de este planeta, hoy
habitado por los llamados "homínidos racionales". 
Mark Twain,
irónicamente, ventiló toda premonición histórica sobre el destino de las
criaturas humanas y el juego catastrófico con que las mismas pretenden
una y otra vez vibrar con el aliento epopéyico y revolucionario de sus
enfrentamientos tenaces, arguyendo que "la historia no es que se repita,
sino que rima constantemente" Al enjuiciar la instrumentación política
del soldado y del honor tampoco hay que olvidar la simbólica observación
del filósofo y sociólogo Herbert Marcuse: "Lo que es irracional fuera
del sistema -en este caso, el militarismo y sus absurdas alegorías
didácticas, con soldados típicos en situaciones típicas- es racional
dentro del sistema". 
En "The Bridge on the River Kwai" no hay canto para el heroísmo, porque el heroísmo sigue siendo una fórmula sin solución, y David Lean, blandiendo la novela de Pierre Boulle, marca un hito en la evolución estética y equitativa de este mensaje de irresponsabilidad que juega a cantar la exaltación patriótica en función de unos caudillos que, como ha sucedido y seguirá sucediendo siempre, se atreven a menospreciar, la atrocidad, el salvajismo y la iniquidad de esta servidumbre insensata al tiempo bélico.
Exaltación, de igual forma, casi
"roussiniana" por su belleza plástica, dado que su lujosa escenografía,
pese a su dramática dureza, se ubica entre una localización de lugares
salvajes, paradisíacos, que jamás parecen verse contaminados por la
inclemencia de la guerra. No es de extrañar que tras "The Bridge on the River Kwai" ("El puente sobre el Río Kwai").
Y sus siguientes "Lawrence of Arabia", 1962, "Doctor Zhivago", 1965, "Ryan's Daughter" ("La hija de Ryan"), 1970, y "A Passage to India" ("Pasaje a la India"), 1984, David Lean, en sus efusiones cinematográficas por la Naturaleza en que se enclavan sus personajes, pudiera adquirir fama de "roussoniano" y de irrepetible poeta de la más bella espectacularidad.
¡"The Bridge on the River Kwai" se erige así en
un riguroso despliegue del postulado antibélico, tan emocionante como
realista y maravillosamente escenificado, y que al mismo tiempo acaba
transformándose en "cine de auténtica poesía"!
Impecable sound track de Malcom Arnold, premiado con un Oscar, notas musicales inolvidables muy concentradas en la dura batalla por sobrevivir de sus personajes, y que acaban recorriendo sensiblemente la visión paisajística más generosa del film.
